Contempla el Museo Maillol la muerte en la historia del arte

París, Francia.- El Museo Maillol ofrece a partir de mañana y hasta el 28 de junio un viaje inédito por la historia del arte, con la exposición "C'est la vie! Vanités de Caravage à Damien Hirst" (¡Así es la vida ! Vanidades de Caravagio a Damien Hirst), en pos de la visión y utilización de la muerte que hicieron sus artistas.

La muestra comienza con una gran sala dedicada al arte más actual, particularmente "violento y duro", según la nueva directora artística del Museo, Patrizia Nitti, quien dijo a Efe trabajar desde hace dos décadas sobre las Vanidades.

Tema que definió como el "estilo artístico" de la representación de la muerte.

En todo caso, esqueletos, cadáveres en diferentes estados de descomposición y temas adyacentes, pero sobre todo cráneos humanos, creados por algunos de los más grandes artistas de la historia, de Caravagio a Picasso, de Braque y Cezanne a Zurbarán, pueblan esta exposición que reúne más de 150 piezas.

Muchas de ellas "obras maestras absolutas", comentó a Efe el historiador del arte Loïc Malle, uno de los ocho expertos que participó en su preparación, en el catálogo y en la búsqueda de los cuadros, esculturas, joyas, vídeos y objetos anexos, procedentes en su mayor parte de colecciones particulares.

Entre ellas la del multimillonario francés Francois-Henri Pinault y la de Guido Orsi, quien se interesa en las Vanidades desde hace más de 20 años, cuando no estaba en absoluto en boga como ahora, resaltó Nittri, quien comparte el comisariado de la exposición junto con el director general del ministerio de Cultura italiano, Claudio Strinati.

De ahí, quizás, que uno de los raros préstamos públicos sea un sublime mosaico del siglo I, originario de Pompeya, cedido por el Museo de Bellas Artes de Nápoles (Italia), que simboliza la lucha entre epicúreos y estoicos de la época, explicó Malle.

En el catálogo, su presencia sirve además para recordar que desde el Neolítico el hombre practicaba "el culto de los cráneos" y que, al parecer -todavía sería imprudente afirmarlo-, los griegos de la época helenística fueron los primeros en occidente que representaron el esqueleto humano como evocación de la brevedad de la vida y del paso del tiempo.

Loïc Malle subrayó que en su opinión el término "Vanidades" sólo puede utilizarse para los siglos XVI y XVII, durante el barroco, cuando eran ante todo "una advertencia religiosa, metafísica e ideológica" para recordar "que el hombre es mortal, que no es igual a Dios y que debe moderar su vanidad".

Así, estimó, "no son Vanidades los cráneos de Damien Hirst", de quien el Museo Maillol muestra la serigrafía con polvo de diamantes "For the love of God, laught", creada por el artista en 2007, prototipo de su famoso y polémico cráneo de diamantes hoy desmontado.

La exhibición revela, igualmente, cómo a partir del siglo XVIII, el siglo de la razón y de las luces, y del comienzo de la desestabilización de las certidumbres, el significado de calaveras y esqueletos en el arte se transforma por completo, preludio de la secularización del XIX cuando, señaló Malle, el cráneo "no tiene ya la misma simbología metafísica".

Si para este experto en la primera mitad del siglo XX, cráneos y esqueletos representan la multiplicación de la muerte colectiva causada por el hombre; en las décadas de los años 70 y 80, con el posmodernismo, son el síntoma de la creencia de que ya está todo hecho, también en el arte.

Hacía finales del siglo XX, añadió, la caída del muro de Berlín, la desaparición de la Unión Soviética, de los dos "en el fondo tranquilizantes" bloques políticos que dividían el mundo occidental; el terrorismo; enfermedades como el sida, o ahora el virus de la gripe A; marcan un aumento de la precariedad, una aceleración de la fragilidad humana que se refleja por supuesto en el arte.

De ahí que "la locura actual por las Vanidades sea algo lógico en este período difícil que atraviesa la humanidad", en el que incluso está en juego la supervivencia del planeta, resaltó Patrizia Nitti.

De ahí que tenga tanta visibilidad en el arte, pero también en otras muchas manifestaciones visuales como la ropa, la joyería o la decoración, añadió.

La diferencia es que "ahora todos los artistas saben que después de la muerte no hay nada", aseguró Malle, convencido de que contrariamente a lo que muchos afirman, esta sociedad "no está en absoluto de espaldas a la muerte, sino que la coteja todos los días, más que antes".