No todo es 3D; El cine y la animación van más allá

El siguiente texto retrata la competencia que libran las nuevas tecnologías con la corriente japonesa del anime, el sistema europeo de dar movimiento a objetos y esculturas, el de figuras de papel o de cartón y, la clásica en 2D, o de dibujos animados.

El hombre lo intentó por muchos años. Se trataba de contagiar de vida a objetos inanimados. La animación ha sido uno de los mejores recursos para crear mundos que, de otra forma, no habrían existido. Hay algunos que dicen que sus orígenes se remontan hasta la época de griegos y egipcios; que, en sus pinturas, se encuentran símbolos que representan el movimiento.


Desde el inicio, el hombre quiso reflejar su realidad, plasmarla en un medio



En los primeros intentos, se utilizaron sombras y siluetas para narrar historias. Durante el siglo xix, en 1824, el físico inglés John Ayrton Paris diseñó un "juguete" para comprobar la teoría de la Persistencia de la visión. Se llamó taumatropo y consistía en un disco de papel con un dibujo en sus dos lados y un pedazo de hilo atado a cada extremo. Con el movimiento de los dedos sobre los hilos, las imágenes se combinaban y parecían una misma. En pocos años, la técnica se fue perfeccionando y aparecieron otros aparatos como el fenaquistiscopio (1829), el zoótropo (1834), el praxinoscopio (1878), patentado por Emile Reynaud, y el kinetoscopio (1891), de Alva Edison.


Traumatropo



Parejas que bailan, narices que crecen y ojos que se mueven, caras que sonríen, caballos, pájaros enjaulados, niños y niñas, payasos y trapecistas. Más de cien años después de que fuera proyectada la primera animación de la historia, el cine de animación vive una de sus mejores épocas. Es una industria que vale más de 80 billones de dólares y que sigue creciendo. La producción de películas animadas no puede compararse con la producción de películas de acción real, pero basta con un ejemplo para darse cuenta de que compiten al mismo nivel: en 2002, Spider Man, una película que costó 139 millones de dólares, recaudó durante su primera semana de proyección en Estados Unidos casi 115 mdd; Toy Story 3, de 2010, con un presupuesto de aproximadamente 200 mdd, ganó más de 110 mdd la semana de su estreno. Así, los dibujos animados ya no son sólo para niños, son un monstruo que hace millones y millones de dólares al año y que parece ser el futuro gigante de la industria del entretenimiento.

Estas son algunas de las técnicas de animación que actualmente se utilizan, las películas y series de televisión más famosas, sus directores, sus compañías productoras y la historia detrás de cada una.

 

(3D) Casi en vivo

A través de programas de computadora como Maya, Softimage, RenderMan o 3DStudio Max, los animadores pueden modelar, iluminar y animar cualquier cosa. Desde una taza hasta un elefante, a través de las computadoras pueden construirse mundos enteros en relativamente poco tiempo. Los efectos del sol y del viento, el movimiento del agua, cabello o polvo espacial. Comparada con el resto de las técnicas, la animación en 3D o CGI (Computer-Generated Imagery) podría ser considerada la más joven y menos desarrollada de todas. Basta echar un ojo a su historia para comprobar que no es cierto. En 1995, una compañía llamada Pixar presentaba la primera película hecha por completo a computadora. Se llamaba Toy Story y, con un presupuesto de 30 millones de dólares, recaudó más de 360 millones a nivel mundial. Fundada en 1979, Pixar fue comprada por Steve Jobs siete años después y es uno de los genios detrás del éxito de la compañía. Desde 2006, es propiedad de Walt Disney Company. Además de la trilogía de Toy Story, Pixar es la productora responsable de títulos como: Monsters, Inc. (2001), Los Increíbles (2004), WALL-E (2008) y Up (2009). Este año, Los Pitufos 3D es una de las grandes apuestas del consorcio conformado por Columbia Pictures, Sony Pictures Animation y Kerner Entertainment Company. De la misma forma que Río es quizá la producción más ambiciosa de 2011 para Blue Sky Studios y Twentieth Century Fox Animation. O Rango 3D, cuya animación estuvo a cargo de Industrial Light & Magic y The Monk Studio.



El otro gran gigante de la animación en 3D se llama Dreamworks. Fue fundado en 1994 por Steven Spielberg, David Geffen y Jeffrey Katzenberg. El estudio lanzó en 1998 la película Antz. Después, en 2001, estrenó el que, hasta la fecha, sería su más grande éxito: Shrek. La cinta, que costó 60 millones de dólares, ganó el Oscar a Mejor Película Animada y un Premio BAFTA. Entre otros títulos, Dreamworks es responsable de la creación de: Madagascar (2005), Kung Fu Panda (2008), Monstruos vs. Aliens (2009) y Megamente (2010). Otra compañía importante es Blue Sky Studios. Su película La Era de Hielo (2002) impulsó a esta empresa creada en 1987 por ex empleados de Disney.



 

Anime - Competencia japonesa

Japón es uno de los países que más ha trabajado con la animación. A pesar de no ser una técnica de animación, el anime japonés merece ser mencionado por la calidad y la cantidad de trabajos que se han producido dentro del género. La historia comienza en 1917, con la presentación en público de la película Imokawa Mukuzo Genkanban no Maki (The Story of the Concierge Mukuzo Imokawa), de Oten Shimokawa. No quedan copias de la animación ni fotografías y tampoco se sabe cuál fue la técnica elegida para realizarla. Los otros dos pioneros del género son Kobayashi Shokai y Sitaro Kitayama. En 1943, los japoneses presentaron su primer largometraje animado con audio: Taro Melocotón, el guerrero divino de los mares y 15 años después, nació la productora Toei Doga con la intención de imitar lo que hacía Disney en Occidente. Mientras ellos se concentraban en el cine, Osamu Tezuka y su productora Mushi Production encontraron en la televisión el medio perfecto para crecer. La primera serie en la que trabajaron se llamó Tetsuwan Atomu.


Tetsuwan Atom


Animes que se hicieron famosos en México


Cuando la serie llegó a Estados Unidos la nombraron Astroboy. Caricaturas como Heidi, Los Caballeros del Zodiaco, Los Supercampeones y Sailor Moon, entre muchas otras. Entre 1940 y 1955 nacerían cuatro de los grandes nombres que en la actualidad mantienen en el mejor de los estados la salud del anime. El más veterano es Hayao Miyazaki (1941). En 1985 fundó la compañía Studio Ghibli y, desde entonces, Miyazaki es el director. Entre sus películas más importantes, destacan: El viaje de Chihiro (2001), El castillo vagabundo (2004) y La princesa Mononoke (1997). También en 1941, nació Shigeyuki Hayashi, mejor conocido como Rintaro. En 2001 dirigió la película Metrópoils, la historia de un mundo compartido entre humanos y robots.


El Castillo Vagabundo

Otro es Katsuhiro Ohtomo (1951). En 1988 presentó Akira, una película apocalíptica. Completa la lista Mamoru Oshii (1951), que con la serie Patlabor y las dos películas de Ghost in the Shell se convirtió en uno de los directores japoneses más reconocidos por los adictos al anime.


Akira

 

 

Stop Motion - Objetos en movimiento

A través de una secuencia de fotografías, se aparenta la acción de objetos. Los animadores realizan pequeños movimientos del cuerpo o personaje y toman una fotografía. Después, las imágenes son proyectadas a una velocidad de 48 ó 60 cuadros por segundo y los personajes cobran vida. En la actualidad, los muñecos o esculturas que se utilizan en estas películas cuentan con esqueletos muy sofisticados que facilitan su animación. Albert Smith y J. Stuart Blackton, cineasta inglés considerado el padre de la animación americana, tienen el crédito de ser los primeros en utilizar esta técnica.

En Europa, a principios del siglo xx, George Méliès y Ladislas Starevich popularizaron el uso del stop motion. Willis O'Brien, un caricaturista de origen irlandés, se encargó de poner este tipo de animación en otro nivel. Su trabajo en películas como The Lost World (1925) y King Kong (1933) inspiraron a muchos para seguir ese camino. Uno de ellos fue Ray Harryhausen (Los Angeles, 1920).



Harryhausen realizó animaciones y efectos especiales para películas como Earth vs. The Flying Saucers (1956), Jason and the Argonauts (1963) y Clash of the Titans (1981). Años después, una película dirigida por Henry Selick y basada en una historia de Tim Burton se ganó la atención de todo el mundo. The Nightmare Before Christmas (1993) costó 18 millones de dólares y su producción tardó más de dos años.

En 2005, Burton volvió a utilizar esta técnica en su película El cadáver de la novia. En la actualidad, directores como Jan Svankmajer, Michel Gondry, Wes Anderson, Jan Balej y Nick Park mantienen con vida este tipo de animación. Personajes como Wallace, Gromit y la Oveja Shaun aparecen en televisión y en el cine.


El cadáver de la novia


Sus creadores, los estudios Aardman, trabajan con esta técnica desde los años setenta y su película Wallace y Gromit: La batalla de los vegetales (2005) ganó el Oscar. El actor Seth Green demuestra con su serie Robot Chicken que nadie es suficientemente grande para dejar de usar juguetes. René Castillo y Gerardo Alvarez (Graco), son dos de los animadores mexicanos más populares vinculados con el stop motion.

 

 

2D - Dibujos animados

La animación en 2D o animación tradicional es la técnica más antigua. Consiste en proyectar a alta velocidad una secuencia de dibujos realizados a mano. Aunque, años antes, en  y otras partes del mundo, la gente ya intentaba dar vida a dibujos e imágenes inanimadas, la historia comienza en 1906.


El Apóstol

Con tan sólo un gis en la mano, J. Stuart Blackton presentó Humurous Phases of Funny Faces (1906), que es considerado el primer dibujo animado de la historia. Dos años después, el francés Émile Cohl hacía público un corto de minuto y medio, compuesto por 700 dibujos y titulado Fantasmagorie (1908). A varios kilómetros de distancia y después de algunos años, el argentino Quirino Cristiani lanzó El Apóstol (1917), primer largometraje animado. Compuesto por 58 mil cuadros, el filme duraba casi 70 minutos. Todas las copias existentes se perdieron en un incendio. Estados Unidos se encargó de perfeccionar esta técnica y, durante la segunda década del siglo xx, personajes como Popeye, el Gato Félix y Betty Boop ganaron popularidad. En 1928 nació Mickey Mouse y Walt Disney presentó el primer cortometraje de dibujos animados con sonido.


Popeye

Películas como Blancanieves y los siete enanos (1937) o Bambi (1942) dieron fama al estudio y fomentaron la aparición de más animaciones.

Los estudios Hanna-Barbera surgieron en 1957 y la animación conquistó por completo a la televisión. Hoy, hay caricaturas para todos los públicos: los niños pueden pasar horas viendo las historias de Ben 10, Phineas y Ferb, Bob Esponja o Los Padrinos Mágicos; y los adultos tienen a Los Simpson, Padre de Familia, Beavis y Butthead, Futurama y las animaciones de Bill Plympton.
El francés Sylvain Chomet y sus películas, Las Trillizas de Belleville (2003) y El ilusionista (2010), las dos nominadas al Oscar por Mejor Película de Animación, mantienen con vida esta técnica en la pantalla grande. Los ejemplos de animación tradicional en nuestro país son muchos. En 1994, el director Carlos Carrera ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes por su cortometraje El héroe. Además de entretener, películas como La Leyenda de la Nahuala y Nikté sirven para difundir tradiciones mexicanas.

 

Cut Out - Cine artesanal

Técnica que consiste en animar figuras de papel o cartón. Pueden usarse recortes de fotografía o personajes generados expresamente para un proyecto. Es muy similar al stop motion. Después de colocar las figuras en cierta posición, se toma un cuadro. Entonces, se realizan pequeños cambios que, al ser reproducidos a altas velocidades, aparentan movimiento. Aunque no es muy popular (requiere mucho tiempo y esfuerzo, es casi un trabajo artesanal), hay algunos ejemplos que vale la pena mencionar. El episodio piloto de South Park, la polémica serie animada norteamericana creada por Trey Parker y Matt Stone, fue realizado a través de esta técnica. Tardaron 70 días en realizarlo y utilizaron 50 mil piezas de papel específicamente construidas para el episodio de 22 minutos. Durante sus años como miembro del grupo Monty Python, el inglés Terry Gilliam realizó animaciones utilizando la técnica del cut out.

Cortometrajes suyos como Storytime (1968) o The Miracle of Flight (1974) pueden verse en YouTube. Uno de los más famosos animadores del cut out es Yuri Norstein. Hijo de padres bielorrusos, nació en Rusia, en 1941. Trabajó en una fábrica de muebles y como director artístico en varias películas. Junto a su esposa, Franchesca Yarbusova, un camarógrafo y un compositor, ha realizado películas breves como Erizo en la niebla (1977), por el que recibió diferentes premios, y El cuento de los cuentos (1979), su obra más famosa y celebrada. A pesar de solamente utilizar papel para su animaciones, Norstein usa diferentes capas de vidrio para dar una sensación de profundidad a sus producciones.

En 1993, junto a otros animadores rusos, fundó la escuela de animación SHAR Studio. Disney utilizó la técnica en algunas de sus películas en los sesenta. Los primeros tres minutos de la película The Misadventures of Merlin Jones (1964) y una parte de A Symposium on Popular Songs (1962) fueron realizadas combinando la animación tradicional y el cut out. En laactualidad muchos artistas trabajan con programas de computadora como Flash y modelos de papel en tres dimensiones.